Degustación Sonora 001

Hoy vengo a compartir algunas reflexiones sobre la manera en que se consume la música en vivo y en plataformas; el disco en formato físico como su representación máxima; la nostalgia como herramienta mercantil, pero también como fuerza creativa; y, aunque no necesariamente sea a mitad de año, enlisto lo que a mi gusto son los 10 mejores discos de 2024 hasta ahora. Así que bear with me y aprovecho para sacar el repelente anti-puritanismo del lenguaje, porque aquí verán muchas cursivas y anglicismos.

Primero, un artículo que me provocó nauseas: «Le apuestan cantantes a los covers para vender boletos». La nota, publicada por Grupo Reforma [mal redactada, editada y cabeceada, por cierto], menciona que artistas populares —que ni me van ni me vienen ni me interesan, como Christian Nodal, Yuridia, Carin León, Alejandro Fernández o Ángela Aguilar— «han decidido meter en sus shows algunos covers para causar furor entre la gente». Hasta aquí, nada del otro mundo.

Ahora, no puedo obviar que los editores del Reforma tienden a redactar encabezados engañosos, ya sea por flojera, descuido o clickbait. En este caso, el título del artículo sugiere que son los artistas quienes apuestan por incluir covers para vender más boletos; la redacción, en cambio, sugiere que son los empresarios y promotores quienes solicitan a los artistas que incluyan éxitos de antaño y covers para que, agárrense, «funjan como detonador emocional en el espectador y que éste consuma alimentos, bebidas y otros productos». Aquí comienza la náusea.

El reportero cita en el artículo a «tres empresarios y dos promotores de espectáculos», así nomás, sin ofrecer una explicación de por qué los seleccionó o por qué prefirieron el anonimato. Estos anónimos, mercenarios de los conciertos, dicen cosas que, si bien son sabidas o intuidas, al ser expresadas en su calidad de “empresarios del espectáculo”, adquieren una connotación vomitiva. Por ejemplo:

→ «A todos [los artistas] les hemos pedido, de alguna u otra manera, que incluyan canciones que nos lleven al consumo».

→ «...el cover apela a la nostalgia, al recuerdo, y el tipo de audiencia [sic] se suma a la espiral que desinhibe, y es por eso que el factor económico aparece».

En quince párrafos que desafían la sintaxis y la coherencia, el reportero va soltando referencias sobre el uso de covers de artistas que resultan tan dispares que da risa verlos en la misma línea: Sentidos Opuestos y Ringo Starr, Christian Nodal y Gloria Gaynor, o Calibre 50 y Nick Carter. ¿Qué los une? Que tocan versiones de otros artistas en sus conciertos. Con todo y la redacción confusa, creo que la intención de este artículo era hacer notar que este recurso va más allá de si aporta —o no— algo nuevo [¡algo!] o medianamente interesante musicalmente; coverear en conciertos se ha convertido, para fines prácticos, en una táctica de venta de tickets, hot-dogs y cervezas.

Esto nos dice mucho del lado mercantil del espectáculo, pero, ¿qué nos dice del espectador? Tampoco nada nuevo: que hay un cierto tipo de asistente de conciertos de artistas populares que vive en una eterna zona de confort, estancado en una espiral de conformismo musical y que se siente uno mismo [‌uoh uh uh-oh] con la nostalgia de glorias pasadas. Este mercado cautivo de adultos nostálgicos ha provocado la proliferación de giras de reencuentro, casi siempre de agrupaciones pop mejor conocidas por su coreografía noventera. Y está bien, hasta cierto punto.

Tampoco crean que lo de la nostalgia es algo exclusivo de mercenarios del pop. Aunque pudiera llegar a ser un proceso mucho más pensado, curado y con una intención artístico-cultural, la nostalgia también se vende en círculos left-field o del underground. Ahí están festivales como el Primavera Sound, que reúne a músicos legendarios para que toquen exclusivamente un disco icónico, con motivo de un aniversario significativo desde su lanzamiento. Reuniones como las de Pulp o Blur en los circuitos internacionales de festivales responden a un interés nostálgico-económico; juntar a At The Drive-In o a Refused en un Coachella, también. Caso aparte es el de bandas más pequeñas o medianas que regresan de algún periodo de hiatus, como The Walkmen o The Blood Brothers, y quienes pueden diseñar su gira de reencuentro más por sus propios medios que por enaltecer algún line-up de festival que cobra entradas promedio que rondan los ± 435 dólares (Fuente: respuesta de ChatGPT ¯\_(ツ)_/¯ al preguntar sobre el precio promedio de las entradas para los festivales Corona Capital, Coachella, Lollapalooza y Primavera Sound, sin considerar los boletos VIP).

Lo que me molesta, aunque implique a artistas que no me gusten o no me importen, es esta noción tan descarada de que existe La o Las canciones que detonan el consumo; éxitos casi siempre del ayer, pero no sólo eso, éxitos que ni siquiera están en el catálogo del artista que se está presentando en vivo pero que, a “sugerencia” del empresario que le contrató, está obligado a coverear y no por una conexión necesariamente musical, sino porque va a desinhibir al espectador nostálgico a pedir otra ronda de cerveza mal servida y overpriced. Qué enfadoso es ese afán de mercantilizar todo, de tratar de exprimirle centavos a lo que sea, de analizar métricas que correlacionen nostalgia musical y consumo.

Ya entrado en la queja, qué molesto es compartir asiento entre este tipo de espectadores que se ponen a platicar tres cuartas partes del concierto porque les da igual y esperan que un show en vivo sea una mera rocola, una compilación de Greatest Hits, una máquina de karaoke, que tenga el mismo vibe de ese bar al que siempre van donde ponen la-misma-música o, peor aún, una cuenta pagada de Spotify que les permite dar next cada vez que sale una canción que no conocen o no les gusta. [Sentirse ofendido por los precios y cargos ocultos de Ticketmaster es una cosa; otra muy diferente es sentirse patrón del artista por haber pagado una entrada a su espectáculo y exigirle que, en cada nueva gira y a sus cuarenta-cincuenta y tantos años, se remonte al estado físico-atlético del momento exacto que te aprendiste los pasos de “Pepe” en el receso de la secundaria.] El público no siempre tiene la razón, pero esta actitud es recompensada en festivales que arman line-ups que se asemejan más a una selección aleatoria de alguna playlist de moda en Spotify que a una curaduría pensada, propositiva y retadora. El Pal Norte, por ejemplo, lo lleva a otro nivel: la dinámica del “artista sorpresa” es, tal cual, la versión en vivo de tener activado el shuffle en una playlist.

Cada quien puede suscribirse a la plataforma que prefiera y escuchar la música que desee, de la forma que más le convenga [discos completos o playlists algorítmicas, música nueva o vieja, regional o anglo, calmada o acelerada], de acuerdo con su presupuesto y estilo de vida. Ya sea con un bitrate bajo de streaming, audífonos de hule rompe-fácil y desde el teléfono, o sentado en tu silla de diseñador con un vinilo de 180g, bocinas que cuestan lo mismo que comprar un auto usado y un ampli McIntosh, la emoción de disfrutar tu música favorita es la misma.

Y aunque el disfrute de la música es una cosa muy personal [ojo, no pretendo aleccionar a nadie aquí con una actitud audiophile], sí creo que el álbum en su versión física, vinilo o CD, es su representación máxima. Está muy bien que lo digital haya democratizado tanto su producción como reproducción, pero hasta lo lo-fi que se graba en un cuarto, con una laptop y una versión hackeada de Fruity Loops, tiene oportunidad de ser reconocido para entrar al canon de los lanzamientos en formato físico, como le sucedió a María y José / Tony Gallardo [que por cierto perfilamos por acá hace unos años] con el sello ugandés HAKUNA KULALA.

A propósito del peso que tiene un álbum en formato físico, vale la pena retomar esta reflexión-recomendación que escribió Gil Scott-Heron en las notas de I’m New Here [2010, XL Recordings]:

A contracorriente de esta solemnidad por el formato físico, y jugando con una nostalgia tanto técnica como sónica, está Diamond Jubilee [2024, self-released] de Cindy Lee.

Uno de los dos proyectos surgidos tras la escisión de Women, banda canadiense de noise post-punk cuyos integrantes se separaron en 2010 después de pelearse a golpes durante uno de sus conciertos, Cindy Lee es la aventura drag de Pat Flegel [ex-vocalista de Woman]. De los siete lanzamientos oficiales que acumula como Cindy Lee, solo dos están disponibles en plataformas de streaming, una decisión artística que, aunque pudiera parecer anticuada o engreída, considero osada. Cuando se le dan las condiciones de producción y distribución, sus lanzamientos pueden conseguirse en vinilo o cassette; cuando no, pueden descargarse con opción de “donación” desde su sitio web alojado en Geocities [que, hablando de nostalgia, es todo un viaje al pasado digital]. Este es el caso de su más reciente lanzamiento, Diamond Jubilee, un álbum doble de 32 canciones y 2 horas de duración que se hizo viral tanto por su extensión, calidad y formato, como por la alta calificación que le otorgó Pitchfork [9.1 en una reseña que vale la pena leer]. Para quienes no vivieron la era pre-Spotify: este disco se descarga [en archivos en formato .WAV], se arrastra al reproductor [en mi caso, Apple Music], se edita el tracklist [porque si no, se acomodan en orden alfabético las canciones], se busca la imagen de la portada [porque no trae] y se le agrega [manualmente] y listo. Imaginen hacer esto con cada una de las canciones que tienen agregadas en Spotify, bueno, así era antes.

Soy fan de la música de Woman y de los proyectos que han surgido de sus ex-integrantes [como Viet Cong, que después se convirtió en Preoccupations, y Cindy Lee], pero Diamond Jubilee es todo un logro: una producción lo-fi pero cinemática, con una especie de revival de T.Rex y Marc Bolan + The Velvet Underground y The Brian Jonestown Massacre que sale de la guitarra y la mente conflictiva e imaginativa de Pat. Es uno de los mejores discos de 2024 que no vas a encontrar en ninguna plataforma y que te obliga a simular, aunque sea un poco y en la compu, el «procedimiento adecuado» del que habla Gil Scott-Heron para digerir un álbum.

Anyways, por acá va una pequeña lista de los mejores discos que, a mi gusto, han salido hasta ahora en 2024 [anduve aderezando el texto con algunas canciones de estos discos con embeds de Bandcamp y YouTube]. En la próxima Degustación, es posible que amplíe sobre alguno(s) y que hable sobre un nuevo dilema al que me enfrento como “coleccionista” de discos en vinilo, así como sobre la imperiosa necesidad de hacer listas. Esto, a propósito de la publicación reciente de dos listas que me han dejado pensando cosas.

Artista | Álbum | [Sello]

• Siete Catorce – 2017 [self-released]
• Dj Anderson do Paraíso – Queridão [Nyege Nyege Tapes]
• Fat White Family – Forgiveness is Yours [Domino]
• Beak> – >>>> [Temporary Residence Ltd]
• Mary Ocher – Your Guide to Revolution [Underground Institute]
• Nuno Beats – Sai do Coração [Príncipe]
• Mabe Fratti – Sentir Que No Sabes [Tin Angel Records]
• Kim Gordon – The Collective [Matador]
• Cindy Lee – Diamond Jubilee [self-released]
• Still House Plants – If I Don’t Make It, I Love You [Bison Records]